Como comunicadores audiovisuales que somos me parece interesante compartir este material. ya que se trata de los primeros pasos de un mito en la dirección de cine, Stanley Kubrick, gracias a la pagina OpenCulture, donde complementan estas piezas con información muy interesante de como estas piezas se lograron hacer desde el punto de vista del director, cuales eran sus motivaciones, en general, todo lo que tiene que ver con las piezas, datos de producción y curiosidades sobre Kubrick, todas ellas explicadas por separado y muy bien documentadas.
La primera es Day of the fight, esta pieza documental del años 1950, la realizo a la edad de 21 años, donde cuenta un día crucial del boxeador de peso medio Walter Cartier, este ya había trabajado para él, donde el mismo Kubrick realizó todas las tareas de la producción, dirección, edición…
La segunda pieza documental, Flying Padre, fue un encargo de la RKO y Pathe, donde retrata dos dias de la vida del reverendo Fred Stadtmueller. En esta obra se destacó en su epoca su buen trabajo como fotografo periodistico.
The Seafarers (1953), antes de hacer este documental el mismo decidió empezar a dedicarse a la dirección cinematográfica, pero aun seguía sin contar con el suficiente apoyo, por esa razón acepto dirigir esta pieza, de la cual, Kubrick nunca mencionó en ninguna entrevista, para poder así llevar a cabo, su primera produccion como director Fear and Desire:
Gracias a los compañeros de la pagina FILMIN, nos encontramos una selección de vídeos muy cortos donde, como en el anterior post, un diseñador de forma muy dinámica crea logos a través de simbologia de las películas que se encuentran como las obras mas importantes de la historia del cine.
Esta selección de vídeos forma parte de una colección de 10 vídeos llamados el ABCinema, donde reta al espectador, este claramente, tiene que ser amante del cine a adivinar los títulos. El diseñador Evan Seitz, declaro para la pagina IndieWire “La serie de tests ABCimena era un proyecto creado desde dos puntos de vista distintos: por un lado mi admiración por el cine y por otro mi amor a la creación mediante el arte y la animación”.
Jamie Hewlett, creador de la tira de comic Tank Girl, es un artista influenciado profundamente por el arte visual punk. Ha dedicado gran parte de su trabajo a los fanzines, utilizando técnicas como el cut-up o el collage, y añadiendo elementos icónicos del surrealismo o la metaficción. Generalmente ha mostrando poco interés las estructuras formales o las tramas narrativas convencionales. Su estilo ha sido característicamente, anarquista, apocalíptico y psicodélico; como lo es buena parte de la cultura pop británica.
Gorillaz está representado por cuatro personajes animados: Murdoc, Noodle, Russel y 2D. Cada uno de ellos con una biografía ficticia completa y una interrelación personal detallada, y emocionalmente compleja, con cada miembro de la banda. El dibujante Jamie Hewlett, su creador, los ha dotado de un universo propio que incluye su hogar, su estudio de grabación donde trabajan, la rutina diaria de cada uno, un pasado concreto y aspiraciones futuras… Sus historias, tanto como su imagen, son utilizadas para el material promocional, que incluye portadas de discos, carteles, videoclips y conciertos, en los que se utilizan hologramas de los personajes.
Cada videoclip cuenta un episodio en la vida de la banda, que, al tener un universo propio, muchas veces refleja experiencias de corte simbólico o surrealista, no siempre fáciles de entender para el espectador que no esté familiarizado con la visión particular del mundo que tiene la banda.
En el blog de la página de filmin me encuentro con muy emotivo paseo por la filmografía de estos grandes iconos del cine a mano del ilustrador y diseñador francés Martin Woutisseth, estos directores son Tim Burton y el gran Stanley Kubrick, sin duda dos directores con unas personalidades y estilos muy reconocibles:
Aquí os dejo un articulo en el que los compañeros de LasHorasPerdidas nos informan de de un proyecto de ley a través del cual la crisis afecta al mundo del cine, pero no ya dentro de Europa sino tambien en la relacion de Europa con Estados Unidos.
¿ Es justa ? ¿ Es oportuna ? ¿ Por qué esto no se planteó antes ? Desgraciadamente solo puedo formular preguntas. Aquí os lo dejo:
La Unión Europea está preparando un borrador para un proyecto de ley de financiación cinematográfica con dos efectos a destacar: el primero de ellos es la sustancial reducción de la ayuda a películas “no europeas” (léase Hollywood, léase “nos vamos a Budapest a rodar La Jungla 5″) en suelo de la UE. La segunda, ya circunscrita al ámbito de la Unión, obliga a los productores del film a gastar la totalidad de las ventajas que recibe de un determinado país donde ruedan su film, en lugar del 80 por ciento actual, una medida profundamente criticada por algunos productores que ven en esta decisión un ataque contra las coproducciones o los films que se ruedan en distintos países.
Los cambios, que figuran en la Ley de Comunicaciones Cinematográficas de la UE, involucransegún Variety “una modificación extraordinaria de las subvenciones, que suponen 3.000 millones de euros al año en la Unión Europea”.
En la parte que respecta a Hollywood y según el nuevo reglamento, un film europeo de 39,1 millones de euros tendría derecho a 19,5 millones de euros. Un film estadounidense con el mismo presupuesto tendría derecho a un máximo de 8 millones de euros. Tal diferenciación no existe hasta ahora.
Esta medida afecta especialmente a países como Reino Unido, prácticamente hermanado con Hollywood –a través de los míticos estudios Pinewood, por ejemplo–. Francia y Alemania también se verían gravemente afectadas.
La razón de esta medida se debe a “preocupaciones en el seno de la UE sobre la posibilidad de que la financiación de films estadounidenses limite las posibilidades de financiación de películas europeas de menor calibre”. Sin embargo, el productor austriaco Werner Muller, miembro de la Federación Internacional de Productores, ha criticado duramente la propuesta.
“La única que ve una restricción competitiva es la Unión Europea, no nuestra industria. ¿Qué problema hay en que las industrias de Reino Unido, Alemania o Francia alberguen producciones no europeas. Si esas películas no se ruedan en Europa, se irán a otra parte”, declaró.
Sobre las modificaciones en la ayuda territorial –el 80 por ciento–, los productores entienden que la Comisión adopta esta decisión “alarmada por la discontinuidad de estos criterios”, según la directora de Cine Regio (organización que agrupa a 37 fondos europeos regionales), Charlotte Appelgren. “Estamos ante cambios de políticas que representan una regresión para las producciones internacionales”, según el integrante de la Agencia de Directores Cinematográficos de Europa, Frederic Delcor, quien advierte de que “es posible que Europa no esté preparada para mantener sus actuales niveles de producción de acuerdo con estas nuevas reglas”.
En vez de poner el trailer he decidido rescatar lo unico que, bajo mi punto de vista, merece ser rescatado para la historia, la canción Breath of a life, escrita e interpretada por Florence and the Machine, por la cual siento mucha pasion:
Blancanieves y la leyenda del cazador es un ejemplo perfecto de la Industria, palabra con la que desgraciadamente se le conoce al séptimo arte; y de cómo entretejen la decoración de un producto que quiere ser todo pero que a su vez esta vacío.
Desde el principio, esta producción empezó a sembrar dudas con un casting fallido. En el cuento de los Hermanos Grimm, según vaticinaba el Espejo mágico que usa la reina malvada, Blancanieves era la que iba a destituir a la Reina por su belleza y pureza. Creo que no hace falta hacer mucho ejercicio mental para evocar a una Blancanieves con una belleza suficientemente superior a la de la Reina malvada. Aquí viene el primer fallo y el primer engaño, la Reina Malvadaes una actriz que esta considerada año tras año una de las mujeres mas sexys del planeta y una de las actrices mas talentosas de star system y en el otro lado, su competidora es simplemente un reclamo comercial, de cuestionable belleza, que proviene de una de las sagas mas rentables de esta década y , desde mi punto de vista, de dudosa calidad interpretativa, aunque David Fincher en La Habitación del Pánico (2002) le sacó una buena interpretación. Finalmente, supongo que depende de las manos que la manejen. Completan Chris Hemswoth, guaperas de moda repitiendo su pape estrella, actores de renombre haciendo de enanos tópicos inspirados por el tráiler de El Hobbit ( Peter Jackson, 2012 )… poco mas.
La película empieza con una buena premisa tanto argumental como visual, la entrada en el Bosque Oscuro es un buen ejemplo de cómo Rupert Sanders sabe, por lo menos, intentar evocar, pero esto no quita la enorme sensación de película de encargo. Ya que ésta es un batiburrillo de tópicos de películas épicas y de fantasía y también un desfile de tópicos argumentales dentro de estos géneros de películas. ( No falta el momento discurso esperanzador del líder hacia el batallón ). Lo único que mantiene esta película son las apariciones de la malvada reina, una Charlize Theron que da la impresión de que es la única del casting que se divirtió con su papel.
Resumiendo, un engaño muy bien vendido y bien decorado de la Universal en busca de una buena posición en el box office.
La Fundación Mapfre alojará las obras del pintor fauvista desde el 26 de mayo hasta el 2 de septiembre de este año. Su actividad artística, que abarcó más de 35 años de su vida, no es solo expresionista. Esta exposición antológica se muestra por primera vezen España, y está compuesta por nada menos que 153 obras, sirven de entendimiento para percibir la obra del artista en su totalidad.
También se exhiben 35 fotografías que apoyan su obra y el recorrido de su vida. Una vida en tiempos convulsos que le llevó a destruir parte de sus cuadros antes de que fueran incautados por los nazis, y que terminó dramáticamente a la edad de 58 años.
El grupo Die Brücke, del que formó parte Kirchner, es una de las primeras expresiones de vanguardia del S.XX. Su meta: innovar, experimentar y protestar contra todo academicismo. Die Brüecke (el puente), como Der Blaue Reiter (el jinete azul) señala el fin de una época del arte.
En 1937, en plena ascensión de nazismo, se le llamó «artista degenarado». La mano atormetanda de Kirchner y la inquietante atmósfera de la Alemania de preguerra sobrevuelan la exposición. La Gran Guerra le sumerge de forma drástica en su primera gran crisis nerviosa. Empieza un largo calvario por sanatorios psiquiátricos en los que el artista continúa pintando sin parar.
Junto con la exposición de Edward Hopper en el Museo Thyssen y la de Rafael en el Prado, estamos ante una triple oferta artística que no se puede dejar pasar.
En el puerto viejo del imaginario pueblo de Cantabreda (supuestamente ubicado al norte de España), suburbio de pescadores, se ubica una nueva taberna donde todos los marineros del lugar acuden, atraídos por la belleza de su tabernera, la joven Marola. Conviene recordar desde este primer momento la intervención del marinero Verdier, quien ha estado fuera de su pueblo durante seis años y dice haber perdido la fe y no creer ya en la justicia divina.
La hermosa Marola regenta la taberna con la ayuda del bandido Juan de Eguía, al que todos consideran su marido, quien costeó íntegramente la construcción de la taberna. El que todos los marineros estén enamorados de Marola propicia que todas las mujeres del pueblo estén, de entrada, celosas de ella. Los amores más notorios hacia Marola son los de Abel, un niño vagabundo que ve cómo su amor utópico no es correspondido, y el del joven marino Leandro.
Ripalda es el dueño del Café del Vapor, ubicado frente a la nueva taberna. Disgustado por la falta de clientes que han preferido hacerse parroquianos de Marola, trama contra ésta unas escenas de celos entre marineros del lugar y sus mujeres, empezando por el matrimonio de Antigua (vendedora de sardinas) y Chinchorro (patrón de barco).
Representación de «La Tabernera del Puerto» en Oviedo, en el año 2006.
Juan de Eguía quiere hacer contrabando de cocaína. Como sabe que Leandro está enamorado de ella, le comunica a Marola que debe ser él quien lleve a cabo la operación. Ella duda si satisfacer el requerimiento del bandido o librar de esta situación a Leandro, por quien ella siente un verdadero y apasionado amor. Finalmente le hará la propuesta. El marinero inglés Simpson decide intervenir y desvelar a Leandro toda la trama hurdida por Juan de Eguía y por Marola. Leandro queda abrumado, pensando que el amor de Marola, que él creía sincero, es falso e interesado (es aquí donde canta su célebre romanza: «No puede ser…»). Ella, desesperada porque ama a Leandro, decide explicarle que Juan de Eguía es su padre, y que le ha pedido colaboración para llevar a cabo la operación de contrabando.
Por otro lado, un grupo de mujeres del pueblo reprochan a Marola que vuelva locos a todos los hombres, pero ella se defiende argumentando que se debe a que ellas no prestan suficiente atención a sus maridos. Juan de Eguía zanja esta discusión golpeando a Marola, escena que Abel presencia con impotencia. Al día siguiente, el niño vagabundo cuenta a todos lo sucedido, lo que hace que todos los marineros del pueblo, capitaneados por Leandro, vayan en busca del bandido para que dé explicaciones de lo sucedido.
Leandro pide a todos que se marchen, y conversa a solas con Juan de Eguía. Éste le ofrece su mano a cambio de que introduzca en la ciudad algunos fardos de cocaína. Leandro acepta y convence a Marola para que le acompañe. Ambos acuden en una pequeña embarcación a una cueva que sólo tiene acceso por mar para cargar la cocaína. Al verlos salir juntos, la gente murmura e imagina que se escapan para emprender una nueva vida lejos de Juan de Eguía. Pero los enamorados se ven sorprendidos por una tormenta y desaparecen en el mar.
El niño vagabundo, Abel, entona canciones a la desaparecida Marola. Mientras, un arrepentido, entristecido y abrumado Juan de Eguía confiesa a todos los presentes no sólo que Marola era su hija, sino sus propias actividades ilícitas, y que ha cometido la infamia de arrastrar a Leandro y a Marola al mundo del contrabando. Todos comprenden el sacrificio de Leandro quien, por obtener el amor de Marola, accedió a realizar la operación.
Poco después, el marinero Simpson anuncia que los jóvenes enamorados han sobrevivido a la tormenta. Aparecen en la escena custodiados por una pareja de carabineros que los han detenido por contrabando. Juan de Eguía se declara culpable, y los carabineros dejan libre a la pareja y apresan al bandido. Marola y Leandro enlazan sus manos, y el marinero Verdier (¿se acuerdan de él?) declara que acaba de recuperar su fe en Dios y que vuelve a creer en la justicia divina. Leandro y Marola entran en la taberna, y la rutina vuelve a Cantabreda.
Este es el argumento de La Tabernera del Puerto, una zarzuela en 3 actos con libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, y música del Maestro Pablo Sorozábal (San Sebastián, 18 de septiembre de 1897 – Madrid, 26 de diciembre de 1988). Es una zarzuela que se suele representar poco, pero de una gran calidad musical, además de estar basada en un tema que, aún hoy, es de rabiosa actualidad.
El Maestro Pablo Sorozábal, en el foso de un teatro, dirigiendo una de sus obras.
Chinchorro, patrón del barco de Leandro (barítono cómico)
Antigua, mujer de Chinchorro y vendedora de sardinas (mezzosoprano cómica)
Ripalda, propietario del Café del Vapor (tenor cómico)
Verdier, amigo de Juan de Eguía (barítono)
ALGUNOS EJEMPLOS
Aquí tenemos una joya: la brillante interpretación de un jovencísimo Alfredo Kraus, dirigida por las manos del mismo autor de la obra: Pablo Sorozábal, en 1958. La romanza de Leandro, «No puede ser», es cantada justo después de que Simpson revele a Leandro (como queda patente en la grabación) las intenciones de Juan de Eguía y de Marola, por lo que Leandro se queda abrumado y desencantado, pensando que el amor que le profesa la tabernera es falso.
El bajo Víctor de Narke nos ofrece su versión de la romanza de Simpson, «Despierta negro», en una grabación dirigida también por el Maestro Pablo Sorozábal.
Estas dos grabaciones que hemos podido escuchar poseen el valor añadido de tener los tempos e intenciones que su propio autor deseaba, ya que, como ya se ha reseñado, es él quien lo dirige. Conviene escucharlo y apreciarlo, ya que en versiones posteriores se ha adoptado otros criterios de intención y velocidad de ejecución que distan mucho de lo que su autor deseaba.
Aquí podemos ver una bonita interpretación de la romanza de Marola, «En un país de fábula», interpretado por la soprano granadina Mariola Cantarero en un concierto celebrado recientemente.
Y, por último, una grabación del barítono Manuel Ausensi interpretando la romanza de Juan de Eguía.
Pete Doherty es aficionado a la pintura, o al dibujo, según se mire su obra… y esta semana ha saltado a la prensa por una creación suya que contó con la colaboración de Amy Winehouse, fallecida hace cerca de un año.
El interés mediático por la obra de Doherty reside principalmente en el material utilizado para la obra: sangre, la suya y la de su amiga Amy. La sangre es un elemento de provocación inmediata, pero su uso artístico no es novedoso. Artistas del performance como Marina Abramovic han utilizado no solo este material extraído directamente de su cuerpo, sino la oportunidad dada al púbico de utilizar una serie de herramientas a su disposición para infringir dolor o placer sobre el cuerpo de la artista. En una ocasión los objetos incluían una pistola y una bala. Dada la impasibilidad de la Abramovic a reaccionar ante los estímulos provocados por el público, uno de ellos decidió probar con la pistola. La artista reaccionó inmediatamente convocando el final del acto, y dando fin las representaciones de esta pieza particular.
Volviendo a la pintura, desde su inicio, la sangre ha sido un elemento fundamental. Ya las cuevas de Altamira fueron pintadas con una mezcla de sangre y aceite o grasa animal como disolvente. La pieza de Doherty, Ladylike, ha sido subastada por 43.000€. ¿Es mucho o poco? ¿Se revalorizará? ¿Su valor reside en la fama de la donante o en la del cantante autor de la obra?¿Tiene Doherty verdadero potencial como pintor, o dibujante?
Yo no tengo la respuesta a ninguna de estas preguntas. Por intuición diría que el precio del cuadro no me parece excesivo, y que es posible que se revalorice, aunque tampoco seguro… Dependerá del futuro incierto en el mundo de los iconos de Doherty y de Winehouse. Pintar con sangreesrockero… y muy primitivo.
Va una curiosidad para empezar. Con motivo de la presentación del film en DVD y Blu-Ray, MTV nos presenta parte del metraje de prueba de Chronicle que empleó el director Josh Trank para mover el proyecto entre los estudios. La película fue adquirida finalmente por 20th Century Fox, quien no se puede quejar del negocio: costó 12 millones de dólares y generó una recaudación mundial de 124 millones, más de diez veces su presupuesto inicial:
Como veis, prácticamente todas las señas de identidad del film se encuentran en esta secuencia –cuya calidad es impecable, por otro lado–: el uso de la cámara en mano y la integración de sencillos pero eficaces efectos digitales en medio de una escena bastante intimista, la de los chavales explorando sus poderes en la cafetería (secuencia que al final se mantiene en la película final).
Sobre la elección del plano: “Usando un espejo logramos dar una sensación de amplitud a la cafetería, y colocamos en el reflejo a un personaje adicional. El operador de la cámara puede elegir si le da importancia simplemente enfocando su rostro”.
El texto que acompaña al vídeo incluye declaraciones de Trank sobre el uso constante de la cámara a través de un personaje. “En este punto, las audiencias están esencialmente entrenadas para aceptar este tipo de estilo vérité”, estima Trank. “Hemos sido capaces de juegar con ciertas convenciones que ya están establecidas. Pero en lo que se refiere a la forma de hacerlo, no hay reglas pre establecidas, porque todavía estamos hablando de una estética emergente”.
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